ARTES II PERIODO 2

Leonardo Da Vinci

- Pintor e inventor italiano.
- Vinci, Italia, 1452 - Ambois, Francia, 1519.
- Representante del Renacimiento.
- Su formación artística la tuvo en el taller de Andrea Verrocchio.
- Escribió el "Tratado de Pintura" en el que describe al arte como imitación de la naturaleza.

Otto Dix

- Pintor y grabador.

- Unternhaus, Alemania, 1891 – Singen, Alemania, 1969.

- Estudió en la Academia de Dresde, hasta que en 1914 se alistó en el ejército alemán.

- Su participación en la Primera Guerra Mundial le afectó profundamente, e introdujo en su obra una mordacidad, su creación se vería progresivamente influida por los diferentes movimientos de vanguardia.

- desarrolló un estilo personal dentro del movimiento conocido como «Nueva Objetividad», denominado «verismo». Debido al marcado carácter antimilitarista de sus obras, éstas fueron clasificadas por el régimen nazi como «arte degenerado» e incluidas en la famosa exposición homónima de 1937. Dos años más tarde fue encarcelado, acusado de formar parte de un complot contra la vida de Adolf Hitler.

- A partir de 1945, sus obras dan muestras de un nuevo misticismo religioso, y en los últimos años retomó uno de los grandes temas de sus obras, el retrato.

Francisco de Goya

- Pintor y grabador.

- Fuentedetodos (Zaragoza), España, 1746 – Burdeos, Francia, 1828.

- Aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu.

- Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV.

- En 1808, la invasión de España por las tropas napoleónicas colocó al artista en una situación delicada, ya que mantuvo su puesto de pintor de corte con José Bonaparte. Pese a todo, no se privó de plasmar los horrores de la guerra en obras como El 2 de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, que reflejan los dramáticos acontecimientos de aquellas fechas en Madrid.

- Por haber trabajado para José Bonaparte, el artista cayó en desgracia tras la restauración de Fernando VII, y en 1815 se retiró de la vida pública.

- En 1819 experimentó una recaída en la misteriosa enfermedad que en 1792 lo había dejado completamente sordo. Ello, unido a su nueva vida en soledad en la Quinta del Sordo, casa solariega que había comprado poco antes, debió de contribuir a la exacerbación imaginativa de que el artista dio muestras en la decoración de su nueva vivienda: catorce murales de gran tamaño con predominio de los tonos marrones, grises y negros, sobre temas macabros y terroríficos. Estas obras son conocidas en la actualidad como Pinturas negras.

Caravaggio

- Pintor.

- Caravaggio (Italia), 1571 – Porto Ercole. Italia, 1610.

- De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar por su original enfoque de la obra pictórica.

- Su pintura destaca por la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos.

- Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta.

- La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se interesa abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época.

Pedro Pablo Rubens

- Pintor flamenco.

- Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico (Alemania), 1577 – Amberes, Flandes (Bélgica), 1640.

- Destaca por su estilo exuberante que enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad y ser un humanista, un idealista clarividente, hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos.

- En 1587, tras la muerte de su padre se mudó a Amberes, donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, quien le indujo a realizar el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista. A lo largo de ocho años (1600-1608), recorrió los principales centros artísticos italianos y copió obras maestras para la colección de su mentor, el duque de Mantua.

- En las realizaciones de los años 1601-1614 (Adoración de los Magos, Anunciación, El descendimiento de la cruz), la personalidad artística de Rubens aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo intenso, pasión por el dibujo.

ALBERTO DURERO

- NUREMBERG (ALEMANIA),1471-1528

- PINTOR Y GRABADOR REPRESENTANTE DEL RENACIMIENTO EUROPEO.

- APRENDIÓ PINTURA Y GRABADO GRACIAS A SU PADRE QUE ERA ORFEBRE Y A MICHAEL

WOLGEMUT, EL PINTOR MÁS DESTACADO DE SU CIUDAD NATAL.

- COMO ERA HABITUAL EN LA ÉPOCA, AL CONCLUIR SUS ESTUDIOS REALIZÓ UN VIAJE, QUE LO LLEVÓ

A DIVERSAS CIUDADES DE ALEMANIA Y A VENECIA (1494), CIUDAD A LA QUE REGRESARÍA
ENTRE 1505 Y 1507 Y EN LA CUAL RECIBIRÍA LAS INFLUENCIAS DE MANTEGNA Y GIOVANNI
BELLINI, ADEMÁS DE ASIMILAR LOS PRINCIPIOS DEL HUMANISMO.

- UNO DE LOS RASGOS DESTACADOS DEL ESTILO DE DURERO, ES LA MINUCIOSIDAD LA CUAL ES
PROBABLE QUE HEREDARA DEL OFICIO PATERNO.

- ALBERTO DURERO GUSTÓ DE RETRATARSE A SÍ MISMO DESDE LA TEMPRANA EDAD DE TRECE AÑOS Y
MANTUVO SIEMPRE ESTA COSTUMBRE, REFLEJO DEL NUEVO INTERÉS RENACENTISTA POR EL
HOMBRE, Y EN ESPECIAL EL ARTISTA.

- DURERO DESTACA POR SUS GRABADOS DE GRAN DETALLE Y PERFECCIÓN, PRINCIPALMENTE LOS DE

1513-1514, SOBRE TEMAS IMAGINATIVOS Y QUE PERMITEN VARIOS NIVELES INTERPRETATIVOS:

EL CABALLERO, LA MUERTE Y EL DIABLO, SAN JERÓNIMO EN SU ESTUDIO Y LA TRISTE MELANCOLÍA I,

SU OBRA CUMBRE COMO GRABADOR, QUE CONSTITUYE UNA COMPLEJA ALEGORÍA SOBRE LAS

DIFICULTADES CON QUE TROPIEZA EL ARTISTA EN LA REALIZACIÓN DE SU OBRA CREATIVA.

JORGE MARIN

- URUAPAN, MICHOACÁN, 1963-
- ESTUDIÓ DISEÑO GRÁFICO EN LA ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS DE LA UNAM Y
RESTAURACIÓN DE ARTE Y CURADURÍA EN LA ESCUELA NACIONAL DE CONSERVACIÓN, RESTAURACIÓN Y
MUSEOGRAFÍA DEL INAH-SEP.

- EN SU TRAYECTORIA ARTÍSTICA HA EXPERIMENTADO CON DIFERENTES MATERIALES Y TÉCNICAS, COMO LA RESINA, CERÁMICA
Y FUNDICIÓN.

- ES EL MENOR DE UNA FAMILIA NUMEROSA (QUE INCLUYE A SU COLEGA Y HERMANO JAVIER MARÍN).
HIJO DE PADRE ARQUITECTO DE QUIEN DICE TIENE GRAN INFLUENCIA

- MARÍN DESCRIBE SU INFANCIA EN URUAPAN “COMO SI HUBIERA VIVIDO EN EL MACONDO DE GARCÍA
MÁRQUEZ”.

- EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS EL BRONCE HA SIDO SU MATERIAL MÁS RECURRENTE. EN SU OBRA ES
FRECUENTE ENCONTRAR ALAS, MÁSCARAS, BALSAS, CABALLOS, CENTAUROS, GARUDAS,
NIÑOS, MADONAS, VICTORIAS Y ACRÓBATAS; ESTOS ELEMENTOS JUNTO CON LA ESFERA, LA
FLECHA Y LA BALANZA DOTAN SU UNIVERSO PLÁSTICO DE UN JUEGO POÉTICO, DONDE EL
EQUILIBRIO Y LA REFLEXIÓN SON EJES PRIMORDIALES.

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Rivelino

Escultor, ceramista y dibujante.
José Rivelino Moreno Valle.
San José de Gracia, Jalisco, 1973-
Tuvo una formación autodidacta principalmente, asistió a cursos en la Escuela de Cerámica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Paralelamente realizó prácticas en diferentes talleres donde trabajó el barro, la madera, el papel, el algodón, el mármol, el bronce y el acero, y la fundición de éstos metales; además del aprendizaje de la restauración.
Actualmente trabaja principalmente la instalación e intervención pública para investigar la relación entre el espectador, la obra de arte y el entorno urbano.

http://www.rivelino.com.mx/

https://www.youtube.com/watch?v=FPhyXz9Ev64

Anish Kapoor

- Escultor.

- Bombay, India, 1954-

- Destaca por sus esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto, tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable

- Pasó los primeros años de su vida en Bombay, después vivió en Israel donde estudió Ingeniería, para después mudarse a Londres a principios de la década de 1970, para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.

- Al final de los años 80 y a principio de los 90, Kapoor empezó a ser aclamado por sus exploraciones en materia y no materia. Evocó el vacío en obras escultóricas de pie y en instalaciones ambiciosas. La mayoría de sus escultoras parecen retroceder a la distancia, desaparecer en el suelo o distorsionar el espacio a su alrededor.

- Es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos e influyentes en el ámbito internacional al haber propuesto nuevas estrategias de producción que involucran al arte con las complejas relaciones entre la sensibilidad y el pensamiento, lo oriental y lo occidental, y no sólo porque una se encuentre supeditada a la otra, sino porque en el acto creativo logra establecer un equilibrio perfecto que deriva en la experiencia estética de su producción.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669.
Pintor barroco holandés.
Era hijo de un molinero perteneciente a la clase media holandesa, por lo que pudo asistir a la Escuela Latina y en 1620 matricularse en la Universidad de Leiden.
En 1621 abandona los estudios universitarios e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años. Entre 1624 y 1625 continuó su aprendizaje en Amsterdam, esta vez en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien toma la influencia de Caravaggio y Elsheimer.
El arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles.
En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias.
Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior.
Se le rreconoce sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.

Édouard Manet

Paris, 1832-1883.
Pintor y grabador impresionista francés.
Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia fue un estudiante interesado únicamente en el dibujo.
Su familia accedió, con muy pocas ganas, a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.
En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática -muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea- como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.
En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.
Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista.
Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda, afección que lo llevó a la muerte.
La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.

MARC CHAGALL

Pintor francés.
Vitebsk (Bielorrusia), 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985.
Nacido en una pequeña aldea rusa, cursó estudios de arte en la escuela de Leon Bakst en San Petesburgo.
Sus inquietudes artísticas lo llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística, volviendo a Rusia en 1914, donde participó activamente en la renovación cultural de su país. ejerció como director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y como director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Viajó a Moscú en 1920 para trabajar en el Teatro Judío, haciendo algunos cuadros y colaborando en vestuario y escenografía.
Su condición de judío le obligaría después a un peregrinaje por Francia y Estados Unidos, que le devolvería definitivamente a Francia al concluir la Segunda Guerra Mundial.
Las referencias al mundo campesino en el que pasó su infancia, así como el motivo vegetal en primer término, son algunas de las imágenes que con mayor constancia repitió a lo largo de toda su obra. Todas ellas tienen como referente común el mundo de su niñez y Chagall hace uso de ellas jugando con el ensueño y la nostalgia.

MÓNICA MAYER

Ciudad de México, 1954 -
Artista mexicana multidisciplinaria y crítica de arte.
Estudió artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y obtuvo una maestría en sociología del arte en Goddard College.
Participó dos años en el Feminist Studio Workshop en Los Ángeles, California.
Es considerada pionera del performance y la gráfica digital en México y precursora del arte feminista en América Latina.
En 1983 fundó con Maris Bustamante el grupo de arte feminista Polvo de Gallina negra, primero en su tipo en México y cuya documentación se ha presentado en distintos foros, incluyendo el Museo Reina Sofía en España.
En 1989 fundó con Víctor Lerma Pinto mi Raya, un proyecto de arte conceptual aplicado en el que han desarrollado propuestas en torno al sistema artístico. Pinto mi Raya ha sido una galería, una serie de televisión para el Canal 23, un programa de radio, una de las primeras revistas virtuales de arte contemporáneo mexicano, un libro, un blog, un proyecto de edición de gráfica digital, una serie de performances, pero principalmente un proyecto de investigación basado en su archivo hemerográfico especializado en arte contemporáneo mexicano que iniciaron en 1991 y a la fecha incluye más de 200 mil artículos.
Fue columnista de El Universal entre 1988 y 2008. Es coautora con Víctor Lerma del libro Pinto mi Raya(Editorial Santillana), coautora con Juan Carlos Reyes García de Las mujeres que no se fueron (Instituto de la Mujer Oaxaqueña) y autora de Rosa chillante: mujeres y performance (AVJ ediciones, Conaculta y Pinto mi Raya). En 2006 publicó Escandalario: los artistas y la distribución del arte (AVJ ediciones) y en 2008 el libro infantil Juanita, las pochotas y una bolsa de preguntas (Instituto de la Mujer Oaxaqueña).
Fue miembro del Consejo del Instituto Anglo Mexicano de Cultura AC y presidenta de su comité de cultura de 1995-1999, del Consejo Académico del MUCA Roma de la UNAM entre 2008 – 2011 y del Comité de Cultura de Difusión Cultural de la UAM. Actualmente es miembro del Consejo del MUMA (Museo de Mujeres Artistas Mexicanas) y del Consorcio Internacional Arte y Escuela AC.

ARTES II PERIODO 2

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Festival del Fuego Sagrado

FICHERO DEL ARTE

JORGE MARIN